Said Dokins: embajador de caligraffiti

Said Dokins creció en la Ciudad de México pero desde hace un tiempo viaja por todo el mundo haciendo intervenciones de caligraffiti (caligrafía y graffiti) de alto impacto. Con cada proyecto, Said busca dejar una reflexión sobre el momento que vivimos. Me contó a detalle sobre su trayectoria y su proceso creativo.

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¿Qué vino primero en tu caso: la caligrafía o la pintura callejera? ¿A qué edad, y cómo iniciaste en ambos?

Yo creo que en mi caso hubo una correspondencia directa entre el grafiti, la caligrafía y el espacio público, es decir, el grafiti tiene en su hacer mismo, el gesto caligráfico, a su vez la caligrafía, así como el grafiti son un acto en sí mismo, un acto performático, la diferencia está en que el grafiti se hace en lugares que no están destinados para ello y en la tradición caligráfica hay un a preparación previa y cuidadosa. Así que si lo vemos de este modo lo primero que me motivó a hacer lo que hago fue la ciudad, crecí dentro de una megalópolis, en la Ciudad de México, con casi 9 millones de habitantes, soy parte de una generación marcada por la efervescencia de la globalización, la celebración una supuesta libertad comunicativa con la llegada del internet,  MTV, las caricaturas japonesas, el consumismo dirigido hacia los jóvenes… También por una supuesta libertad en el uso del espacio público, pero también de un fuerte control social. 

Comencé haciendo grafiti a finales de los años noventa, justo como un modo de expresión libre, fuera de las instituciones y creo que intervenir el espacio público es justo una manera de participar en la contienda, desde una trinchera poderosa: la calle, es donde todos están participando de una u otra forma, lo que haces en la calle es para todos y es de todos, se convierte de dominio público, te ve la comunidad que pasa por ahí diariamente, te juzgan y posiblemente participen también, borrándote o colocando luminarias para ver mejor tu obra, pintando o alternando a tu lado, platicando sobre lo que haces, es decir, toda obra realizada en espacio público se enfrenta a eso a lo público.

¿Tuviste una formación de artes visuales o/y en algún otro campo?

Cuando comencé a estudiar artes visuales, dejé un poco de lado el graffiti, tuve muchas experiencias encontradas, por un lado yo venía de un conocimiento empírico, de la calle, del grafiti y eso me ayudó a entender más rápidamente cuestiones formales de las artes visuales, aprendí el lenguaje académico del arte, por otro lado me interesé por el arte conceptual, la performance, las intervenciones, el arte en sitio específico, el situacionismo, land art, arte participativo, el arte relacionado con lo social, con lo público. Muy pronto me interesé por los estudios de estética, estudié pocos años de filosofía y tomé algunos cursos más de estética y teoría crítica. Siempre me interesó la relación del arte con lo textual, con el signo y con la escritura, regresé a las calles con una mirada distinta, tal vez más abierta o más cerrada, no lo sé. 

Creo que la academia me aporta herramientas para problematizar cuestiones de mi trabajo, así como asuntos del grafiti y del arte urbano, entender desde otras posiciones estas prácticas y sobre todo a plantearme proyectos en donde se hace necesario cierto rigor en cuanto a la investigación. Hace unos años realicé la curaduría de una exposición en el Centro Cultural de España en México llamada Intersticios Urbanos, en la que se establecía una cartografía a grandes rasgos sobre los desplazamientos del graffiti hacia prácticas intermediales, focalizada en México, su frontera con Estados Unidos, en diálogo con América del Sur y España. Presentaba pintura, gráfica, acciones, intervenciones, así como archivos sonoros y visuales; para mí era como crear una constelación de diversas posiciones en torno al arte urbano, la performance y el graffiti.

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¿Cuales son tus estilos e influencias? ¿Hubo alguien que te haya motivado hacia este camino?

Hay una larga historia en medio de la inspiración de mi trabajo, pero sin duda mi circulo familiar ha sido una influencia importante, sobre todo mi hermano y mi padre. Pero creo que lo que más me motivó a hacer lo que hago es justo redefinir todo el tiempo la práctica con la que empecé, el grafiti.

Para mí, el grafiti también es escritura y escribir es una acción pero también es un camino y con el tiempo, la escritura va cambiando, va evolucionando y se va definiendo según nuestras necesidades. En el mundo del grafiti, estos cambios se traducen en estilo.

En mi camino como escritor de grafiti me encontré con la caligrafía. Me parece que ese encuentro ha sido muy importante, porque de alguna manera a través de la caligrafía nos definimos, comunicamos cómo nos vemos pero también cómo queremos que nos vean. A través de la caligrafía podemos proyectar fuerza, rapidez, seguridad, elegancia, suavidad, pero también nervios, traumas, deseos.  Con la caligrafía podemos develar las partes más profundas de nuestro ser y también ocultarlas.

El estilo que yo desarrollo parte de la influencia del grafiti de Nueva York, del grafiti Cholo y me he interesado mucho por la caligrafía medieval, por su potencia, por su fuerte nivel de pregnancia, es un estilo que impone. Los méxico-americanos utilizaron la caligrafía medieval, el estilo Old English, como símbolo de prestigio porque se asocia con lo oficial, con los documentos importantes y tiene una connotación de verdad. En México gran parte de la generación que comenzó a hacer grafiti en los años noventa teníamos una influencia muy grande del grafiti cholo.

En este sentido creo que una de las influencias más importantes de mi trabajo es la de Chaz Bojórquez, uno de los grandes maestros del Cholo Graffiti Writing, cuando él fue a México por el año 2007 tomé un pequeño taller con él y hemos estado en contacto desde ese tiempo, lo considero un gran amigo y mentor.

Por otro lado he tomado cursos de caligrafía tradicional con maestros mexicanos como Antonio Anzures y Gabriel Martínez Meave y extranjeros como Denis Brown.

A través de libros he seguido el trabajo de calígrafos como Rudolf Koch, Hermann Zapf, Claude Mediavila, Sheila y Julian Waters, Jhon Stevens, Luca Barcellona, que creo que sin duda han influenciado mi trabajo.

Me interesa la caligrafía japonesa por la importancia ritual que tiene el acto de escribir en sí mismo, la energía que refleja, por su expresividad plástica. Al estudiar la caligrafía japonesa encuentras la importancia espiritual que posee el escribir. He estudiado caligrafía japonesa en la escuela Shu Ken en México con el maestro Masahiko Hiyama (仁彦檜山) y Nobuko Taniguchi (信子谷口).

Estoy trabajando actualmente en desarrollar un estilo personal, me interesó voltear la mirada hacia atrás y conocer un poco de la genealogía de nuestro alfabeto, de nuestros signos y empecé a trabajar con la escritura pre-fonética, con las relaciones entre jeroglíficos antiguos egipcios, la escritura fenicia, semítica griega, definí mi estilo como ‘Alfabeto primitivo’, en donde tomo referencias de jeroglíficos antiguos y los intento trasladar a una especie de caligrafía contemporánea que combina estas nociones de la caligrafía medieval, de la pictografía oriental, pero también las relaciones que he encontrado con el simbolismo de nuestra cultura prehispánica.

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Cuéntame más sobre tu proceso y ¿qué aspectos de realizar caligrafía en espacios públicos son los que más disfrutas?

Generalmente trabajo con ideas, conceptos, me tardo mucho a veces en comenzar, porque trato de imaginar todo, el proceso, cómo comenzar, qué hacer primero y qué hacer después, el resultado que tendría si hago esto o lo otro, es una especie de diálogo interior kafkiano todo el tiempo, o cómo escribir una receta para una poción que no sabes en qué terminará exactamente. Trato también de dejar una parte a la deriva, es decir, que dependa más de la experiencia en el momento que del boceto de cualquier preparación previa.

Trabajar en espacio público te permite diferentes niveles de operar, desde un texto instituyente que se impone en la vía pública, donde el diálogo es anónimo, como el caso del grafiti, hasta una construcción de trabajo a partir de la comunidad de la localidad. Mi obra transita en entre estos diferentes niveles y creo que depende mucho de la intención, del contexto, de las personas que conozco en la localidad, del tiempo en el que puedo estar y desarrollar el proyecto; es decir, a veces es necesario imponer un mensaje directo, crítico ante alguna situación específica que puede ser local o global, otras veces la relación con la localidad puede permitir otro tipo de intervenciones, más participativas, a veces la obra es resultado de un diálogo con la comunidad.

En ese sentido creo que el arte en espacio público genera comunidad. Un día dos desconocidos que viven en el mismo barrio y nunca se habían dirigido la palabra, se encuentran frente a un mural y comienzan a discutir, tal vez a uno le guste y a otro no, pero en ese momento están generando comunidad, a través de la convivencia, de la discusión. Eso pasa cuando uno está pintando en la calle, se acercan desconocidos, preguntan, platican entre ellos, a veces te ayudan, te ofrecen lo que tienen. Para mí es una experiencia increíble.

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¿Te interesa que tus obras tengan un mensaje social o de crítica?  ¿Qué tipo de literatura o documentos son el material más frecuente de donde te inspiras para las piezas?

Pienso que el grafiti, el arte en espacio público o el street art son prácticas que tienen una dimensión política intrínseca al apropiarse y resignificar el espacio público. En ese sentido mi obra creo que juega en esa dimensión. He trabajado en numerosas ocasiones en asuntos de justicia social, generalmente el trabajo que realizo en este tema tiene mucho que ver con la inscripción y con la memoria de diversas luchas sociales.

La preocupación central de mi trabajo tiene que ver con la nociones de ‘Texto e inscripción’ como modos de interpretación de la existencia en un sentido amplio y como resultado de discursos culturales diversos. Creo que todo lo que acontece en nuestra vida desde lo personal, político y social son parte de un texto en diversos niveles; es decir, cada una de las experiencias que tenemos marcan en nosotros una huella, cada acontecimiento que nos sucede es una impronta en nuestro universo simbólico, y es a través de cada una de esas experiencias, de esas huellas que vamos acumulando a lo largo de la vida, que se genera una especie de textura, texto al que podemos dar lectura a través del recuerdo o activarlo mediante la memoria.

Trabajo con citas, ideas de pensadores que me parecen importantes. Uno de mis favoritos es Walter Benjamin, por su peculiar modo de interpretación de la ciudad, de lo público, y de la historia. Yo sé que mi trabajo a veces es críptico y muchas veces no se entiende, pero creo que  se genera una impresión visual que a veces no es necesario comprender el texto para establecer una conexión.

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El trabajo que realizas de pintura con luz (light painting) es sorprendente, cuéntame sobre lo que te llevó a experimentar con esta técnica, qué retos implica, y en qué tipo de proyectos lo has empleado.

Trabajo con diferentes soportes, me interesa mucho la instalación, el video, la fotografía.

Parece ser que en mi trabajo predomina la intervención mural; sin embargo, cada intervención lleva consigo diversos procesos que se traducen en notas, bitácoras, textos, objetos, a veces en entrevistas, videos que no son visibles al público, a veces son mostrados aisladamente en espacios museográficos para mostrar el proceso de mi trabajo.

Actualmente me interesa mucho la idea de la escritura como acto, el grafiti como huella, pero también como experiencia misma que crea sentido en el momento de la acción, me pregunto cómo registrar esa experiencia, ese acto efímero del grafiti. Encontré en la fotografía de larga exposición una forma de registro lumínico que nos puede dar ese registro, he trabajado con animación también y actualmente trabajo con un amigo fotógrafo, Leonardo Luna, en este proyecto llamado “Heliografías de la memoria”, que por una parte intenta definir lo que para mí es el acto puro del grafiti, y al mismo tiempo, permite la apropiación del espacio desde otra óptica. Capturamos lo invisible, actuar en el aire, sobre todo, en lugares importantes: sitios históricos, plazas públicas, monumentos o baluartes, en donde la plaza se convierte en espacio de resignificación. Mediante estas caligrafías de luz he logrado separar simbólicamente el grafiti del muro y dejarlo retenido en el espacio.

Esta experiencia ha ido más allá al trabajar con tecnologías de Realidad Virtual, como la residencia artística que tuve la oportunidad de hacer en el Instituto Cultural de Google en Francia, para hacer un test de Tilt Brush aplicación en la que básicamente puedes pintar en el aire, es la primera vez se ha visto una caligrafía tridimensional y transitable en un entorno VR. 

¿Hay algún proyecto en especial que te haya marcado? ¿O alguna pieza de la que te sientas particularmente satisfecho?

“Apariciones” se conforma de 580 placas de acrílico con la inscripción de los desaparecidos políticos en México de 1972 a mediados de los años 80,  según registro del Comité Eureka e H.I.J.O.S, en caligrafía con tinta de seguridad (con luz normal se ve transparente pero se activa con luz negra), tiene un dimmer automático que enciende y apaga y un audio sonorizado por Victor Zaragoza y el ensamble tropo donde aparece una entrevista con un guerrillero que logró sobrevivir a la desaparición.

Esta pieza intenta ser un memorial, un objeto que active la memoria de los luchadores sociales, un homenaje. Pero también busca crear una reflexión sobre la visibilidad y ocultamiento como operaciones que establecen conexión con la memoria, es decir, por un lado, el Estado intenta desaparecer, física y simbólicamente, cualquier tipo de acción o imaginario que exceda la norma establecida y por otro lado, desde la insurgencia aparece esta constante recuperación de la memoria para mantener el sentido del movimiento, su agenda política y exigir justicia de todos los desaparecidos y asesinados.

Con esta pieza gané el premio a la creación contemporánea en Cadiz el año pasado.

https://vimeo.com/112885989

Eres un “Calligraffiti Ambassador”, ¿nos puedes contar sobre este grupo de artistas y movimiento que une caligrafía y graffiti?

Actualmente formo parte de dos grandes comunidades en redes sociales, Calligraffiti y Calligraphy Masters. Calligraffiti es una comunidad de 50 embajadores invitados por Niels Shoe Meulman, quien acuñó el término de Calligraffiti en su trabajo en 2007 para referir a una práctica que mezcla graffiti y caligrafía, el me invitó a formar parte de esta comunidad y hemos creado grandes lazos, realizado diversas exposiciones alrededor del mundo y tenemos un espacio para promover el trabajo de cada uno.

Calligraphy Masters es una comunidad dedicada a compartir material, imágenes y videos de caligrafía alrededor del mundo, iniciado por MILENIST- Milen Balbuzanov, él me invitó a colaborar también y al igual que con la comunidad de Calligraffiti, hemos tenido varias actividades desde exposiciones, talleres, conferencias y concursos.

Pertenecer a estas comunidades me ha dejado grandes satisfacciones y creo que tanto en el grafiti como en el arte urbano hay una gran red de colaboraciones, a través de esta red he tenido la oportunidad de viajar, de producir obra en distintos lugares y creo que eso se ve reflejado en mi trabajo. La mayoría de las personas con las que he colaborado son grandes amigos, sin embargo siempre intento encontrar una relación creativa con las personas que voy conociendo que nos permita dialogar, conocernos y experimentar desde los procesos artísticos. De este modo se producen nuevas sinergias, y a veces obras con resultados inesperados.

*Fragmentos de esta entrevista se publicaron en este post de Instagram en español el 19/nov/2016.

Facebook Said Dokins: https://www.facebook.com/saidokins

Instagram: https://www.instagram.com/saidokins/

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